Koominen kevennys : suuntaviivoja käsikirjoittajalle humoristisen hahmon luomiseksi
Söderqvist, Kari (2021)
Söderqvist, Kari
2021
All rights reserved. This publication is copyrighted. You may download, display and print it for Your own personal use. Commercial use is prohibited.
Julkaisun pysyvä osoite on
https://urn.fi/URN:NBN:fi:amk-202103233706
https://urn.fi/URN:NBN:fi:amk-202103233706
Tiivistelmä
Opinnäytetyö opastaa käsikirjoittajaa humoristisen sivuhahmon eli koomisen kevennyksen suunnittelussa ja toteuttamisessa. Tarkoituksena on tarjota teatterin ja draaman ammattilaisille sekä harrastajille eheän humoristisen hahmon luomisen tueksi konkreettisia työkaluja, teoriaa ja apukysymyksiä. Opinnäytetyö pyrkii harjaannuttamaan teatterillista tietotaitoutta ja laajentamaan käsityksiä huumorista. Keskiössä on koomisen kevennyksen luomisprosessi, vaikka tekstissä viitataankin muihin komedian sekä huumorin tyylilajeihin, muotoihin ja konventioihin.
Merkittävimmät lähteet opinnäytetyössä ovat John Vorhausin The Comic Toolbox, Sally Hollowayn The Serious Guide to Joke Writing ja John Morreallin Comic Relief: A Comprehensive Philosophy of Humour. Työssä haastateltiin Mika Eirtovaaraa, suomalaista stand up -koomikkoa, ohjaajaa ja näyttelijää. Tekstissä viitataan lisäksi paljon muutaman vuoden sisällä käytyyn julkiseen keskusteluun komediasta ja käytetään runsaasti esimerkkejä populaarikulttuurin kannalta merkittävistä koomisista kevennyksistä, kuten Olafista (elokuvasta Frozen – Huurteinen seikkailu).
Narratiivisessa kontekstissa koominen kevennys on usein rinnastettavissa stand up -toimijaan. Lähtöasetelma huumorissa on, että sitä esittävän hahmon tehtävä on herättää naurua sekä käsitellä syvällisiä, jopa filosofisiakin kysymyksiä. Teksti on käsikirjoittajan pääasiallinen keino viestiä näyttelijöiden, dramaturgien, ohjaajien ja muiden työryhmäläisten kanssa, joten sen työstämiseen on varattava runsaasti resursseja. Naurua herättävien tilanteiden luominen, vitsien kirjoittaminen ja huumorin synnyttäminen on sanatarkkaa työskentelyä, sillä työryhmän pitää kyetä ymmärtämään tekstistä ne tekijät tai sisällöt, joille nauretaan. Vanhaa tekstiä päivittäessä tulee uudelleendramatisoijan etsiä sen koomiset kärjet ja muokata niitä sopivammiksi nykykontekstille ja -vaatimuksille. Komedia on aina ajankohtaista, se on paikkaan ja aikaan sidottua.
Näytelmillä on yhteiskunnallista vaikutuskykyä, joten esittävän taiteen tekijän tulee työskennellessään ottaa tietoisesti huomioon ajantasainen asiantuntijoiden välillä käyty julkinen keskustelu, tuorein mahdollinen tutkimus sekä tieto ja uusimmat ohjeistukset. Taitelijan tulee tarkastella teoksensa viimeistelyvaiheessa sen representaatioita – kuten koomista kevennystä, muun muassa repliikkien, toiminnan, draamallisten tilanteiden ja hahmojen taustatekijöiden tasolla. Pitkällisesti työstetty teos on dialogissa muiden teosten, ympäröivän yhteiskunnan ja katsojien/lukijoiden kanssa. Tämä dialogisuus on keino kulttuurille kehittyä. This bachelor’s thesis guides authors in the creation and execution of humorous supporting characters a.k.a. comic relief. The purpose of this text is to offer theatre and drama professionals and hobbyists concrete tools, theory and helpful questions in order for them to compose intact comic characters to plays and/or shows. This thesis strives to practice and expand the know-how and skills in comedy work. While the focus is in creating comic relief, other genres, forms and conventions of humour are referred to.
My most notable sources are The Comic Toolbox by John Vorhaus, The Serious Guide to Joke Writing by Sally Holloway and Comic Relief: A Comprehensive Philosophy of Humour by John Morreall. In addition, I interviewed Mika Eirtovaara, a Finnish stand up comedian, director and actor. Furthermore, I’ll address the public discussion from recent years regarding comedy and I’ll use multiple examples of influential comic relief in popular culture such as Olaf (from the 2013 Disney film Frozen).
In a narrative context the comic character is often parallelized to a stand up performer; The initial setting in humour is that the character portraying it is supposed to induce laughter and to deal with deep, even philosophical questions. The script is the main way for authors to communicate with actors, dramaturges, directors and the artistic team. The creation of laughter inducing situations, writing jokes and on giving birth to comedy is working verbatim – the ensemble must understand what is being laughed at. When revising older scripts, the dramaturge must find its comic edges and shape or recreate them in order to fit them to the prevalent context and public demands, for example the laws of equality. Comedy is always related to contemporary issues, it is tied to place and time.
Theatrical plays are influential from the society’s point of view. So, when working with performing arts, one must consciously follow up-to-date public discourses between specialists and take into consideration the most recent research or knowledge and newest instructions, for example laws about equality. The artists have to re-examine representations in their work, for example the lines, actions, dramatic situations and characters’ backgrounds. Art, that has been worked on at length, is in dialogue with other works of art, surrounding society and with its readers/viewers. This dialogue-likeness is a means for culture to evolve.
Merkittävimmät lähteet opinnäytetyössä ovat John Vorhausin The Comic Toolbox, Sally Hollowayn The Serious Guide to Joke Writing ja John Morreallin Comic Relief: A Comprehensive Philosophy of Humour. Työssä haastateltiin Mika Eirtovaaraa, suomalaista stand up -koomikkoa, ohjaajaa ja näyttelijää. Tekstissä viitataan lisäksi paljon muutaman vuoden sisällä käytyyn julkiseen keskusteluun komediasta ja käytetään runsaasti esimerkkejä populaarikulttuurin kannalta merkittävistä koomisista kevennyksistä, kuten Olafista (elokuvasta Frozen – Huurteinen seikkailu).
Narratiivisessa kontekstissa koominen kevennys on usein rinnastettavissa stand up -toimijaan. Lähtöasetelma huumorissa on, että sitä esittävän hahmon tehtävä on herättää naurua sekä käsitellä syvällisiä, jopa filosofisiakin kysymyksiä. Teksti on käsikirjoittajan pääasiallinen keino viestiä näyttelijöiden, dramaturgien, ohjaajien ja muiden työryhmäläisten kanssa, joten sen työstämiseen on varattava runsaasti resursseja. Naurua herättävien tilanteiden luominen, vitsien kirjoittaminen ja huumorin synnyttäminen on sanatarkkaa työskentelyä, sillä työryhmän pitää kyetä ymmärtämään tekstistä ne tekijät tai sisällöt, joille nauretaan. Vanhaa tekstiä päivittäessä tulee uudelleendramatisoijan etsiä sen koomiset kärjet ja muokata niitä sopivammiksi nykykontekstille ja -vaatimuksille. Komedia on aina ajankohtaista, se on paikkaan ja aikaan sidottua.
Näytelmillä on yhteiskunnallista vaikutuskykyä, joten esittävän taiteen tekijän tulee työskennellessään ottaa tietoisesti huomioon ajantasainen asiantuntijoiden välillä käyty julkinen keskustelu, tuorein mahdollinen tutkimus sekä tieto ja uusimmat ohjeistukset. Taitelijan tulee tarkastella teoksensa viimeistelyvaiheessa sen representaatioita – kuten koomista kevennystä, muun muassa repliikkien, toiminnan, draamallisten tilanteiden ja hahmojen taustatekijöiden tasolla. Pitkällisesti työstetty teos on dialogissa muiden teosten, ympäröivän yhteiskunnan ja katsojien/lukijoiden kanssa. Tämä dialogisuus on keino kulttuurille kehittyä.
My most notable sources are The Comic Toolbox by John Vorhaus, The Serious Guide to Joke Writing by Sally Holloway and Comic Relief: A Comprehensive Philosophy of Humour by John Morreall. In addition, I interviewed Mika Eirtovaara, a Finnish stand up comedian, director and actor. Furthermore, I’ll address the public discussion from recent years regarding comedy and I’ll use multiple examples of influential comic relief in popular culture such as Olaf (from the 2013 Disney film Frozen).
In a narrative context the comic character is often parallelized to a stand up performer; The initial setting in humour is that the character portraying it is supposed to induce laughter and to deal with deep, even philosophical questions. The script is the main way for authors to communicate with actors, dramaturges, directors and the artistic team. The creation of laughter inducing situations, writing jokes and on giving birth to comedy is working verbatim – the ensemble must understand what is being laughed at. When revising older scripts, the dramaturge must find its comic edges and shape or recreate them in order to fit them to the prevalent context and public demands, for example the laws of equality. Comedy is always related to contemporary issues, it is tied to place and time.
Theatrical plays are influential from the society’s point of view. So, when working with performing arts, one must consciously follow up-to-date public discourses between specialists and take into consideration the most recent research or knowledge and newest instructions, for example laws about equality. The artists have to re-examine representations in their work, for example the lines, actions, dramatic situations and characters’ backgrounds. Art, that has been worked on at length, is in dialogue with other works of art, surrounding society and with its readers/viewers. This dialogue-likeness is a means for culture to evolve.